On pouvait craindre que la projection de « Paperboy » ce matin prenne la tournure critique d’un « Lawless » ou d’un « Killing them softly » : accueil frisquet, consensuel et tristounet avec en gimmick la tenace impression de films médiocres et faussement futiles, indignes d’une compétition officielle. Si l’on voit bien derrière cette part de toilettage artistique, une intention louable (réhabiliter le cinéma de genre pour adultes, fabriqué et produit à la manière du nouvel Hollywood dans les années 70), il faut reconnaître que, pour l’instant, c’est assez loupé. Réalisé par Lee Daniels, auteur du surgonflé « Precious », « Paperboy » advient pourtant comme une heureuse anomalie : un film fou-fou (ou fo-folle) qui se nourrit d’excès en tout genre (style, narration, numéros d’acteurs), en fait une caricature réjouissante des films pré-cités – les sifflets (copieux) et la consternation (épaisse) n’ont pas manqué à l’issue de la projection. Aux ronchons, on concède volontiers un projet foncièrement détraqué, mais cette déglingue semi-volontaire montée sur images baveuses produit indéniablement quelque chose.

Le pitch est tout simple  : une mama floridienne est interrogée sur un fait-divers irrésolu il y a quarante ans. Flash back et méli mélo : on reconnaît la narratrice plus galbée, au service d’une famille de bourgeois en fin de règne, empêtré dans un racisme institutionnel en train de se fissurer (nous sommes en 1969, Luther King est passé par là). Les deux fistons beaux comme des camions (Matthew McConaughey et l’étonnant Zac Efron) enquêtent sur un redneck accusé de meurtre sur la demande de sa femme, shampouineuse un peu radasse (Kidman, qu’on avait pas vue aussi formidable depuis des lustres). Le plus jeune en tombe raide dingue, et la famille de se disloquer sous une écrasante chaleur tropicale qui bousille les nerfs et stimule les hormones. Voilà ce que le film réussit de mieux : plonger sa trame de série noire dans une moiteur sexuelle poisseuse et craspec, diluer les conflits de classes (et raciaux) sous un tombereau d’obscénité. Le film va même assez loin dans le délire sale et trivial : tantrisme au parloir lorgnant vers le peep show crado (point d’orgue : l’orgasme du partenaire dans son froc, avec plan sur jean souillé), SM homo au motel et même une séquence d’uro platonique (Kidman pisse sur les piqûres de méduse qui zèbrent le corps musculeux de son jeune soupirant). S’en dégage un tableau de l’Amérique pas piqué des hannetons, où la torpeur partouzarde ramollit les antagonismes de classe, impose aux personnages un dialogue permanent, cohabitation qui relève moins de la marche forcée que d’un magnétisme irrépressible. Film passionnant à revoir au calme à une heure décente – passé dix jours de festival, les projections à 8 h 30 du matin relèvent de la torture physique.

Un extrait du film « Paperboy » avec Nicole Kidman et Zac Efron.lien

Torture encore, infligée cette fois hier soir, au pic de forme du critique cannois (19h30, papier du jour rendu, culpabilité évanouie, organisme requinqué par une digestion semi-lointaine : pas une once de somnolence à l’horizon). Forcément, on s’attendait à ce que le mexicain Carlos Reygadas (« Lumière silencieuse ») consolide sa réputation d’enfant terrible. Que cachait donc le titre de film le plus gratiné du festival (« Post tenebras lux ») ? La misère sexuelle d’un couple de jeunes ruppins arrogants dans un village isolé du Mexique (prétexte idéal à une scène de partouze où madame est honorée par une horde de pépouzes francophones pendant qu’une dame à grosses mamelles lui caresse le visage en lui suscurant des mots doux), la culpabilité catho-trash d’une petite frappe sur le fil de la repentance, des gosses de riche qui gambadent autour des vaches (le premier plan, pas mal), une apparition lumineuse d’un diablotin à gros kiki dans la maisonnée, croisement d’un spectre d’Apitchatpong Weerasethakul et du logo Buffalo grill. Tout est clair : ce sur-symbolisme expérimental incapable de produire la moindre émotion ne trompe absolument plus personne, Reygadas signant là son film le plus nullissime à ce jour – les précédents avaient pour eux davantage de fulgurances esthétiques qu’on recense ici à deux-trois. En deux heures de crétinerie monumentale, c’est assez peu. Mais ne râlons pas : le mythe du festival passe autant par les chefs d’œuvre incontestables que par ce type de provo maousse retentissante qui convie le ricanement et la consternation à la grande fête du cinéma. Nul besoin d’en parler à Kirsten Dunst et Kirsten Stewart, croisées à la soirée « On the road  » quelques heures plus tard. A cet instant, la quête de champagne vaut cent fois plus que les quéquettes tourmentées de ce bon vieux Carlos.

On connaît les chauffeurs de taxi et leurs mauvaises manies. Ce chauvinisme, cette mauvaise foi cocardière qui leur font dire sans ciller qu’ils habitent "la plus belle région du monde". Celui qui, avant le Festival, nous balada de l’aéroport de Nice à Cannes ne tarissait bien évidemment pas d’éloges sur la Côte d’Azur. Les plages de galets "plus hygiéniques que le sable", la technopole Sophia Antipolis "presqu’aussi grande que la Silicon Valley" et le Marineland d’Antibes "qui n’a pas d’autres équivalents en Europe". A visiter de toute urgence, donc. Si notre emploi du temps nous le permet…

Coup de chance, c’est dans ce haut lieu du tourisme aquatique que se déroule le drame inaugural du mélo franco-belge "De rouille et d’os", le cinquième long-métrage de Jacques Audiard, présenté ce jeudi au public cannois. Stéphanie (Marion Cotillard) y exerce le périlleux métier de dresseuse d’orques. Périlleux car la moindre faute d’écart d’un cétacé légèrement empoté peut avoir de bien fâcheuses conséquences. Comme celle de perdre l’usage de ses jambes..

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Tel est le sort que le réalisateur français a réservé à sa comédienne qui, dès la première demi-heure du film, nous apparaît amputée de la moitié de ses membres inférieurs. Grimée en vieillarde gouailleuse à la limite de la caricature dans "La Môme" (ce qui lui valut quand même un Oscar, respect), notre Marion nationale ne ménage une fois de plus ni sa peine ni son physique. Les traits sont tirés, les yeux gonflés, le corps supplicié, qui l’oblige parfois à se traîner par terre. Plus qu’un rôle, une performance, comme on dit dans la profession.

Son partenaire à l’écran ne démérite pas non plus. L’excellent Matthias Schoenaerts incarne Ali, jeune père sans épouse, sans domicile, sans le sou. Disons-le tout net, Ali est un sale type, une brute épaisse, un père peu attentionné, mais qui, aux yeux de Stéphanie, possède la qualité de ne pas s’attendrir. De cette absence de compassion va naître une belle relation d’amitié, une complicité, une histoire d’amour… sur fond de drame social, bien entendu. N’oublions pas que nous parlons d’un film français.

Le réalisateur Jacques Audiard et ses deux comédiens Marion Cotillard et Matthias Shoenaerts. (crédit : Medhi Chébil)

Si , sur la Croisette, la prestation du duo recueille tous les suffrages et peut laisser espérer à leurs auteurs un prix d’interprétation, difficile d’en dire autant de l’histoire (inspirée de "Rust and Bone", recueil de nouvelles du Canadien Craig Davidson). La salve de critiques la plus nourrie vient de la presse anglo-saxonne qui fustige, à raison, une accumulation de rebondissements mélo-dramatiques (dont on se gardera de révéler la teneur). Jusqu’au dernier quart d’heure qu’on serait en droit de vouloir plus apaisé, on n’épargne rien aux personnages. Ni aux spectateurs (mais pourquoi cette voix-off et ces ralentis pour conclure le film ?).

Mais ce ne serait pas faire justice à la réalisation de Jacques Audiard que d’en taire ses moments de grâce. Comment, en effet, ne pas être touché par la beauté des retrouvailles entre l’héroïne et son orque ou par les scènes de combats à mains nues que livrent Ali pour subvenir à ses besoins ?

Marion Cotillard touchée par la grâce.

Trois ans après son passage remarqué à Cannes avec son film de gangsters "Un prophète", Jacques Audiard réussit plutôt bien sa conversion au mélo sans toutefois pouvoir prétendre à la Palme d’or. D’autant que "De rouille et d’os" n’a pas la dimension politique qui pourrait, au moment des délibérations, faire la différence auprès du président du jury Nanni Moretti.

Labellisé "printemps arabe"

Seulement voilà, les sujets sérieux et les bonnes intentions ne font pas toujours d’excellents films. "Après la bataille" en est la preuve.

Présenté comme la première fiction post-printemps arabe, le film de l’Égyptien Yousry Nasrallah, lui aussi en compétition, relate la relation ambigüe qu’entretiennent Rim (Menna Chalaby), une ancienne militante de la place Tahrir, et Mahmoud (Bassem Samra), un honorable père de famille des quartiers pauvres du Caire. La première est une jeune cadre dynamique, divorcée, laïque, le second un cavalier, désargenté, illettré, bon bougre manipulé par le régime de Moubarak qui l’envoya à dos de cheval mater les révolutionnaires de la fameuse place.

Bassem Samra et Menna Chalaby.

Bref, tout oppose ces deux Cairotes qui, un soir d’égarement, vont pourtant se séduire, se désirer, s’embrasser… mais pas plus si affinités. Le fossé socio-culturel qui sépare nos deux amants d’un soir est bien trop important pour que le flirt devienne idylle.

Bon, pas besoin d’être sorti de la cuisse de Toutankhamon pour rapidement saisir les messages qu’"Après la bataille" entend distiller deux heures durant : "l’Égypte souffre de ses divisions", "la misère engendre la misère", "dans une société clivée, nul ne peut échapper à sa condition". Soit.

Le diagnostique est sûrement juste mais Yousry Nasrallah avait-il vraiment besoin de maltraiter ce pauvre Mahmoud avec un tel acharnement ? Devait-il en faire un imbécile heureux pour qu’on comprenne quels maux rongent son pays ? Était-il nécessaire de le faire éructer contre son épouse et son fils, de l’obliger à faire d’obséquieuses courbettes devant le puissant chef du village ou de le contraindre à crier des slogans qu’il ne semble pas saisir ?

Brouillon et tortueux, "Après la bataille" vient rappeler à la population égyptienne l’impérieuse nécessité qu’elle a de s’engager sur un même chemin. C’est peut-être là le seul attrait de l’unique film africain de la compétition cannoise.

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